Die Sängerin Brigitte Fassbaender über die Entwicklung der Oper.

Die Oper lebt nicht mehr allein von der Musik. Konzepte und Intellektualität haben zugenommen. Die Zeiten haben sich verändert, die Welt ist komplexer geworden – und damit auch die Welt der Oper. 

Es war früher nicht besser, sondern anders. Die Hauptquelle der Inspiration für Opernregisseure war: Die Musik! Die Hinterfragung und Durchleuchtung des Textes stand nicht im Vordergrund.

In den 70er Jahren fing die Zuwanderung der Schauspielregisseure an. In erster Linie vertreten durch Persönlichkeiten wie Otto Schenk, August Everding oder Rudolf Noelte, die mit psychologisch vertieften Rollenbildern auch in der Oper deutliche, schauspielerische Akzente setzten. Ich persönlich empfand weniger Widrigkeiten, als vielmehr Vorteile, denn die schauspielerische Durchdringung einer Rolle war mir persönlich immer genauso wichtig, wie die musikalische. Wobei sich ja oft eins aus dem anderen ergab, und das nun unter bewusster Anleitung und Herausforderung durch “Textarbeiter”…

Als “widrig” empfand ich eher die aufkeimende Tendenz, dass Regisseure, die etwas auf sich hielten, eine stattliche Anzahl von Adepten und Mitläufern um sich zu scharen begannen, deren Voyeurismus, gepaart mit Liebedienerei, mir bei Proben auf die Nerven gingen. Das hat sich bis heute nicht geändert bei den Starregisseuren, (außer es geht ihnen selbst auf die Nerven…). Einmal bei Konwitschny hospitiert und schon ist man “sein Meisterschüler” – (Es wimmelt nur so von ihnen).

“Früher”, als ich zu singen begann, waren die Regisseure wohl mehr “Arrangeure” und die Bühnenbildner “Dekorateure”. Mit großen Ausnahmen, wo Phantasie, Intuition, Wagemut und Risikofreudigkeit auch damals schon zusammenkamen. Die “Entrümpelung” der Opernbühne setzte ja schon in den 50ern ein. Aber dass nur aus dem “CD-Booklet” inszeniert wurde, weil Regisseure oft keine Noten, geschweige denn eine Partitur lesen konnten, das kam nicht vor. Das ist allerdings erst eine Errungenschaft des sogenannten “Regietheaters”. Eine Partitur lesen – das konnten sie alle, die waschechten Opernregisseure wie Friedrich, Ponelle, Rennert, Kupfer, Horres und all die anderen, bei denen die Musik im Mittelpunkt stand und mit denen ich zu tun hatte.

Inzwischen ist die Abwanderung der Schauspielregisseure fast unübersehbar geworden und die Sichtweise auf die Oper hat sich – sehr oft zum Vorteil – grundlegend geändert. Der Begriff “Musiktheater” ist mir allerdings näher, beinhaltet er doch die Gleichberechtigung von stimmlicher und darstellerischer Aktion. Der Schwerpunkt liegt – ebenfalls sehr oft zum Vorteil – in einer Neudeutung des Textes und damit auch neuen Denkansätzen über die Erzählweise einer wohlbekannten Opernstory. Was uns vertraut erscheint, kann unerwartete Dimensionen annehmen. Denn: Die Oper ist kein Museum, sie ist lebendiger Stoff, der nach immer neuer, origineller, phantasievoller Umsetzung schreit, auch wenn man immer aus dem selben Fundus arbeitet.

Mir ist das “Regietheater” vertraut und willkommen, weil es Sichtweisen vermittelt, die einem ungeahnte Einblicke in Hintergründe und Zusammenhänge eröffnen. Ich persönlich habe mich als Regisseurin nie einem Trend angepasst. Für mich ist der “Wiedererkennungseffekt” eines Stückes und die musikalische Inspiration nach wie vor wichtig geblieben. Mag sein, dass mir der Respekt vor der Leistung des Komponisten und dessen Vorstellungskraft manchmal im Wege steht – die junge Regiegeneration kennt solche Skrupel Gott sei Dank nicht, und der Drang nach Selbstverwirklichung ist jedweder Kreativität ja doch immer immanent.

Nach wie vor jedoch sollte der Sängerdarsteller, der singende Mensch, im Mittelpunkt des Geschehens stehen – und bei den großen Könnern des Regietheaters tut er das auch … Dass die Kritik den Regisseuren und Bühnenbildnern mehr Aufmerksamkeit widmet als früher, und das so genannte Regiekonzept bei den Besprechungen im Vordergrund steht, liegt vermutlich daran, dass das Wissen um die rein stimmliche Leistung kaum mehr vorhanden oder nicht gefragt ist. 

Sängerleistungen werden mehr oder weniger pauschal abgehandelt; sie werden dem “Konzept” untergeordnet, wobei nicht zur Kenntnis genommen wird, wie wichtig die Sängerdarsteller auch für den genialsten Regisseur sind. Denn wenn sich der Sänger verweigert – nutzt dem Regisseur der beste Regieeinfall nichts. Erst muss er ihn dem Sänger plausibel machen und dessen Bereitschaft wecken, im wahrsten Sinne des Wortes mit von der Partie zu sein. Es spricht immer für ein Regiekonzept, wenn der Sänger/die Sängerin voll dahinter steht. Nur übersieht die Kritik, wie maßgeblich im Wechselwirken der Inspiration das Sängerensemble beteiligt ist! Sinnlose Forderungen der Regie, Dilettantismus und Schaumschlägerei werden selten mitgetragen – leider aber viel zu oft von der einschlägigen Kritik nicht erkannt. Auch ein Publikum lässt sich nicht für dumm verkaufen: Bei solchen Produktionen bleibt der Zuschauerraum nach der Premiere leer. Davon aber bemerken die abgereisten Kritiker leider nichts …

Oper im Fernsehen – ja, da gab es eigene, fernsehgerechte Produktionen, Lifeaufnahmen im Studio – diese Art von Fernsehoper ist lange ausgestorben; der Opernfilm gehörte zur guten Unterhaltung. Dass es diese Art von Abendunterhaltung im Fernsehen nicht mehr gibt, liegt wohl weniger am Genre, als am aussterbenden Bildungsbürgertum. Das “Opernereignis”, der Kulturevent sind ab und an immer noch präsent, aber die Einschaltquoten so gering, dass sich der Aufwand für die Fernsehanstalten nicht lohnt. “ARTE” ist die rühmliche Ausnahme, und die Sonntagvormittagsprogramme der dritten Sender bescheren manchmal Hörenswertes aus dem Archiv… Fernsehgerecht kann die Oper nicht agieren – also weg damit. Der Interessenkreis ist sowieso zu klein.

Ich glaube nicht, dass das Stimmenpotenzial sich verändert hat; aber in vielen Fällen fehlt der Mut zur totalen Hingabe an die Passion, die Risikobereitschaft und das Reifenlassen unverwechselbaren, künstlerischen und stimmlichen Zugriffs. Eine erstaunliche Glätte, ein Perfektionstrieb, ein Gleichmachen, Gleichklingen ist eingetreten. Und die Perfektionierung der Aufnahmetechnik verbietet geradezu die Vermenschlichung des Mediums “Tonträger”.

Aber – wie immer: Ausnahmen gibt es auch hier, vermutlich sind die unverwechselbaren Persönlichkeiten mit ihrem Mut zu Schlacken und Schwächen jedoch seltener geworden. Das Timbre, die Individualität einer Stimme steht im Schönheitsbegriff nicht mehr im Vordergrund, sondern die Rolleneignung, der “Typ”, das Hochglanzcover in gewagter Pose, die Oberfläche, die Verpackung sind wichtiger geworden, als der durch Timbre und Material erzeugte Tiefgang. Verbindlichkeit ist das Ideal geworden. Das ist beileibe nicht bei jedem Sänger so – eher eine generelle Tendenz. Aber war es nicht eigentlich immer nur eine handvoll ganz Großer? Die gibt es heute auch noch …

Alles in allem ist “die Oper” intelligenter geworden und die Menschen, die Künstler, die mit ihr und in ihr umgehen, bringen neben ihrer Kreativität auch ihren Intellekt ein, so sie über ihn verfügen. Die Anforderungen, die Erwartungen an die Oper sind komplizierter geworden, das Publikum ist abgezogener, uninteressierter, ungebildeter; die Oper muss mehr und mehr Überzeugungsarbeit leisten. Das “Gesamtkunstwerk” ist gefragt, nicht das Individuum einer Sängerpersönlichkeit. Womit ich zum Ausgangspunkt meiner Ausführungen zurückkehren kann: Nichts war oder ist besser oder schlechter, nur Zeitgeist und Lebenstempo haben sich verändert. Dem muss auch die Oper Rechnung tragen, wenn sie weiter attraktiv bleiben will.

Von Brigitte Fassbaender