Stefan Herheim vollbringt ein Bayreuther Wunder zur Eröffnung der Festspiele 2008 – mit der Erlösung von Wagners Bühnenweihfestspiel aus seiner Rezeptionsgeschichte

Von Barbara Winterstetter

Endlich wissen wir, was „Erlösung dem Erlöser“, die vieldiskutierten Schlussworte des Wagnerschen  „Parsifal“  bedeuten! Es geht um die Erlösung von unserer Bayreuth-Erwartung, um die Erlösung derjenigen, die seit Generationen dorthin auf der Suche nach dem Gral pilgern, auf der Suche nach der Ersatzreligion „Parsifal“. 

Nun waren ja die Erwartung jener Pilger schon in den vergangenen vier  Jahren einigermaßen gestört, als Christoph Schlingensiefs höchst assoziativer „Parsifal“-Deutung hier zur Selbstbeweihräucherung des Regisseurs mutierte. Doch weil Schlingensief als Ersatzgral viele eben nicht akzeptieren wollten, konnten die Gralssucher immer noch die Augen schließen und sich musikalisch erlösen lassen. Nur an Stefan Herheim kommt seit der Festspieleröffnung 2008 am vergangenen Freitag niemand mehr vorbei. 

Denn Herheim und sein Team stellen die Rezeptionsgeschichte des „Parsifal“ inhaltlich wie optisch fesselnd auf die Bühne und verpacken ihre  Erlösungsbotschaft am Schluss so raffiniert, dass alle begeistert sind. Nicht nur, weil es am Schluss eine Glaskugel als Globus gibt mit einer leuchtenden Friedenstaube drüber, die uns globale Erlösung offeriert, sondern auch, weil anstelle des Grals am Schluss ein Kind auf die Bühne tritt: Das Leben siegt über die Kunst, das unverdorben Neue über das Bühnenweihfestspiel! Vielleicht haben viele der enthusiastischen Klatscher dabei gar nicht gemerkt, dass das in Bayreuth eine ganz schön mutige Botschaft ist: Die Erlösung kommt nicht aus Wagner, nicht aus dem Bühnenweihfestspiel, nicht aus Parsifal (der mitsamt Speer nach unten abfährt), sondern aus dem neuen Leben. „Kinder macht Neues“ rief Wagner selbst enthusiastisch. Endlich passt dieser Satz so richtig.

Aber fangen wir von vorne an: Herheim hat die Auseinandersetzung mit „Parsifal“ und der Festspielgeschichte zum Grundthema einer runden, vielschichten, tiefsinnig durchdachten Deutung gemacht, die seit Chéreaus „Ring“ 1976 das Beste ist, was das Regietheater in Bayreuth hervorgebracht hat. Pralles Theater, aber auch Stoff zum Nachdenken und Nachwirken lassen.  Das Schöne dabei: Herheim erlöst nicht nur die pilgernden Fangemeinde von überkommenen Grals- und Heilsvorstellungen, sondern auch die Festspiele von der Patina der letzten Jahre, von (mit wenigen Ausnahmen) oft mühsamen Versuchen, hier neue Dimensionen im Werk Wagners zu erkennen. Und das zu einem Zeitpunkt, an dem auch der Wechsel in der Festspielleitung klar auf dem Tisch liegt und ein spürbar frischer Wind über den Hügel fegt.

Dabei setzt Herheim auf drei Ebenen: Aus der psychologisch dichten Geschichte des reinen Toren Parsifal, der zu Selbstreflektion fähig ist und sich immer wieder neu erschafft, wird die Geschichte der deutschen Nation, die ihre verschiedenen Erlöserfiguren aufzuarbeiten hat. Optischer Rahmen und Kern der Deutung aber ist Bayreuth selbst: Auf der Bühne steht – übrigens in atemberaubenden Bühnen-und Kostümvisionen (Heike Scheele und Gesine Völm) – Richard Wagners Wahnfried, mal von innen, mal von außen, was eine geniale Bühnentechnik ermöglicht (technische Leitung: Karl-Heinz Matitschka). Hier in Wahnfrieds Saal stirbt schon zu Beginn des Vorspiels Parsifals Mutter Herzeleide. Oder ist es die greise Cosima? Im Vordergrund prangt das ganze Stück über Richard Wagners Grab,  aus dem bezeichnenderweise der heilige Gral geholt wird und zum Schluss das neue Leben geboren wird. Im Gralstempel begegnen wir dann – zugegebenermaßen gerührt – dem  Uraufführungs-Bühnenbild Paul von Joukowskis wieder, jener wunderbar mediterranen Eingebung, die vom Dom zu Siena beeinflusst war. Soviel also zu den Zitaten aus Bayreuths höchst erfolgreichen Festspiel-Anfänge im Jahr 1882, die man nach dem umstrittenen und finanziell misslungenen „Ring“ 1876 dringend brauchte . Die geniale Idee, den Parsifal als Testament zu deklarieren und als „Bühnenweihfestspiel“ einzig an die Bayreuther Bühne binden zu wollen (was trotz Cosimas Eingabe im Reichstag misslang), war nichts als die eigennützige Idee, die Festspielidee als Institution etablieren zu wollen. Den „Parsifal“ aber als erstarrte Ersatzreligion – das hätte auch Wagner mit seinem „Werk von göttlicher Wildheit“ nicht gewollt.

Herheim geht geschichtlich aber noch weiter: Er zeigt das Festspielhaus auch als Ort der „Kunstentweihung“, was noch heute in der Literatur nur sehr schwer zu finden ist. Im zweiten „Parsifal“-Aufzug begegnen uns nicht nur verwundete Krieger (die hier in den letzten Kriegsjahren zu finden waren), sondern auch bunte Revuegirls als Blumenmädchen. Sie erinnern an die Zeit der Festspielhaus-Beschlagnahmung, an Puccini und amerikanische Revuen zur Unterhaltung der GIs. Hier setzt sich Herheim auch kurz mit dem dritten Reich auseinander und zieht Hakenkreuz-Fahnen auf, was eben auch zum dunklen Teil der Festspielgeschichte gehört. Der dritte Aufzug konfrontiert uns folgerichtig mit dem zerstörten Wahnfried, mit Trümmerfrauen zum Karfreitagszauber und mit dem Neubeginn durch Wieland und Wolfgang im Jahr 1951, dem ersten Versuch, dem weihevollen „Testament“ des Großvaters zu entkommen – was bei Herheim beeindruckend durchs Einmauern von Wagners Totenmaske via Projektion geschieht. Das Schlussbild erinnert nicht umsonst an die klaren Wieland-Bauten etwa für die „Meistersinger“-Festwiese.

Eigentlich aber befinden wir uns hier im Bundestag: Die Gralsritter, die sich im ersten Aufzug zu den  Soldaten des 1. Weltkriegs gewandelt hatten, begegnen uns wieder als diskutierende Parlamentarier unserer Demokratie, von der uns Herheim schließlich auch noch mit seinem globalen Schlussbild erlöst – und das vor versammelter Premieren-Politprominenz.  Dieser Durchlauf durch die deutsche Geschichte, den das Regie-Team ausgehend von der Parsifalgeschichte als Ausweitung von der individuellen zur kollektiven Identitäts- und Heilsuche begreift, ist höchst raffiniert ins Werk eingebaut, ohne jemals aufgesetzt zu wirken. Hier begegnen wir dem wilhelminischen Zeitalter in einem Rauch aus Kostümen (angelehnt unter anderem an Wagnersche Familienfotografien), der dem ersten Aufzug schon fast heitere Dimensionen gibt und keinesfalls abgestandenen Weihrauchgeruch. Auch weitere historische Zitate – wie etwas die Aufarbeitung der Hitler-Zeit – geschehen hier knapp, aussagekräftig und dabei angenehm unbelehrend.  

Das größte Kunststück dieser Produktion: Sie ist in ihrer Fülle aus Denkansätzen, in ihren überbordenden Bühnenbildern niemals dezidiert auf Botschaft und den erhobenen Zeigefinger bedacht. Im Gegenteil: Man darf das pralle Spiel an sich auch immer wieder in seinen vielen Details genießen, darf sich über das Amfortas-Bild mit dem Hermelinmantel Ludwigs II. ebenso freuen wie über den Fantasy-reifen Auftritt Klingsors im ersten Akt zur Gurnemanz-Erzählung.

Dass in dieser Inszenierung  die Musik ein wenig in den Hintergrund tritt, liegt indes nicht am Regie-Team. Daniele Gatti macht zwar mit extrem gedehnten Tempi auf sich aufmerksam, ohne sie jedoch wie einst James Levine mit berstender Spannung zu füllen. Auch wenn Gatti so manch italienische Kantilene entdeckt und das wunderbare (in den Bläsern allerdings nicht hundertprozentig intonationssichere) Festspielorchester exakt dirigiert, bleibt seine Interpretation doch zu brav.  Aus der Sängerriege gibt es Hochs und Tiefs zu vermelden. Wunderbar der perfekt  artikulierende und seine Stimme modulierende, niemals laute oder pathetische Gurnemanz von Kwangchul Youn. Und Detlef Roth als Amfortas singt mit Kunstlied-geschulter Stimme trotz chromatischer Schmerzzerrissenheit auch klangschön, rund und frisch. Beide Interpretationen eignen sich perfekt, um das Weihespiel auch sängerisch von so manch triefendem Pathos einstiger Interpretationen zu erlösen. Christopher Ventris schließt sich dem als Parsifal an: Er gestaltet sicher auch in der Höhe, auch wenn seinem Tenor noch Glanz und das unverkennbare Timbre fehlt. Darstellerisch gut, aber stimmlich zu sehr bellend: Thomas Jesatko als Klingsor. Und leider zeigte sich auch Mihoko Fujimura der Partie der Kundry nicht gewachsen. Sie kann mit ihrem Körper unglaublich ausdrucksstark agieren, doch die Stimme ist zu, die Einzeltöne wirken zu sehr (und in der Höhe auch zu mühsam) fokussiert, um für den zweiten Akt die große Linie zu finden. Schade – nach ihren Bayreuther Glanzstunden mit Fricka und Erda. Nicht zu vergessen: Blumenmädchen, Knappen, Gralsritter und der ausgezeichnete Festspielchor – allesamt auf hohem Niveau.

Ein Abend, der bleiben wird in der Geschichte der Festspiele, weil er uns fordert, anregt, bewegt. Endlich!